” No es una Bienal sobre los ríos, ni sobre el agua en general; es una Bienal sobre las masas de agua y las ecologías que sustentan, y se ramifica en ideas sobre los derechos de la naturaleza y la voz de la naturaleza… la colaboración entre especies, la voz de lo no humano, y muchas más ideas. ”
José Roca, Director Artístico de la 23ª Bienal de Sídney

La 23 Bienal de Sídney lleva por título “rīvus”, que en latín significa “arroyo”. Rivus aborda las complejidades de nuestra relación con la naturaleza, actualmente en crisis, y su amplio abanico de participantes articula diversas respuestas a esta problemática relación. Los proyectos reimaginan el paisaje social y medioambiental de nuestro tiempo en un mundo que ha sido tan radicalmente remodelado por la actividad humana. En palabras de la organización de la Bienal:

“rīvus, reflexiona sobre sus propias condiciones de posibilidad, convirtiéndose en catalizador de obras ya en curso; fomentando el uso de materiales y procesos de producción no contaminantes; abogando por la localidad, la colectividad, la colaboración y la reducción de residuos; reconociendo su propio impacto en el medio ambiente al tiempo que aspira a reducirlo mediante un enfoque sistémico y creativo.”

ECOSISTEMA DEL AGUA EN RIVUS: NUEVOS SIGNIFICADOS

El proyecto Ecosistema del agua se presenta por primera vez el año 2019 como exposición individual en el museo MAC de Lima, Perú.  El año 2022 Ecosistema del agua se traslada a Australia para participar en la  23ª Bienal de Sídney: Rivus. Reubicado en el gran espacio ‘The Cutaway’, se vuelve parte de un sistema mucho mayor donde cohabitan varios proyectos. Esto nace de la visión del curador de la bienal, José Roca, quien articula obras de lenguajes muy diversos en un mismo espacio: desde lo digital, lo pictórico, la  instalación, hasta objetos arqueológicos. Actores, obras, lenguajes y medios disímiles pueden relacionarse en proximidad, amplificando sus posibles lecturas.

En el nuevo contexto de Sídney, en medio de una temporada de lluvias torrenciales e inundaciones, Ecosistema del agua cobra una dimensión diferente. El protagonismo lo tiene ahora la humedad: se pasa del agua contenida en el contexto del desierto, la escasez, al exceso de agua, a un estado permanentemente húmedo en que el agua no se puede controlar.  El exceso de humedad relaciona al proyecto con ecosistemas de abundancia de agua, como la amazonia. Es ahora un lugar donde humanos y plantas conviven dentro de esta humedad.

COMUNIDADES Y VOCES DE LA NATURALEZA

Las comunidades nativas de Australia han desarrollado una profunda conexión con las fuentes de agua. No se trata de una relación de consumo: el saber indígena entiende desde hace mucho tiempo las entidades no humanas como seres vivos ancestrales que deben ser protegidos, y especialmente los ríos forman parte de su imaginario. Estas antiguas prácticas culturales se vieron truncadas durante la colonización de Australia, y las secuelas muestran una historia de exclusión y explotación. Hay preguntas urgentes que siguen sin respuesta: ¿Quién tiene derecho al agua? ¿Quién tiene derecho a la tierra? ¿Quién responde por los derechos de la naturaleza? Este ajuste de cuentas se está produciendo en todo el mundo.

En Perú, los mayores conflictos sociales giran en torno a las mismas cuestiones de fondo. Comunidades históricamente maltratadas reclaman autonomía y acceso a los recursos y a la tierra. Existe en todo el mundo un desequilibrio problemático entre la agencia del Estado, las comunidades, la empresa privada y la naturaleza. Frente a esto, existe ahora un movimiento mundial para conceder derechos legales y personalidad a algunas plantas, montañas, ríos y masas de agua. Esto plantea algunas cuestiones interesantes. ¿De qué manera puede la naturaleza hablar por sí misma? Una poderosa idea que se explora en la Bienal, donde ríos, humedales y otros ecosistemas se presentan como sistemas de vida con agencia.

La Bienal aborda además la personificación de la naturaleza incluyendo a 8 ríos del mundo como participantes: El Atrato, el Baaka/Darling, el Birrarung/Yara, el Boral, el Burramatta, el Martuwarra, el Napo y el Vilcabamba. Están representados por custodios ancestrales o contemporáneos que hablan en su nombre.

RÍO AMAZONAS & HUMEDALES

Transatlántico fue una exhibición de arte latinoamericano escultural curada por Galerie Philia en la ciudad de Mexico.  La exposición reunió a una nueva generación de diseñadores latinoamericanos procedentes de México, Argentina, Colombia, Perú, Puerto Rico, Venezuela y República Dominicana, en diálogo con  diseñadores de Europa.

Estudio RF presentó ‘Río Amazonas’ y ‘Humedales’, dos piezas que exploran la relación entre el agua y el territorio peruano. El agua desciende de los glaciales de los Andes e irriga los ecosistemas del Pacífico y del Atlántico: la costa desértica y la selva amazónica. A través del agua, la biodiversidad vegetal y animal florece y se conecta con las comunidades locales, formando un gran tejido colectivo y continuo.

ACERCA DE LA SERIE HUMEDALES

Las piezas Humedales se desarrollan a partir de la investigación de los ecosistemas costeros. En los humedales crecen especies vegetales como el carrizo y la espadaña, con cuyas fibras se elaboraron los primeros tejidos en el año 6000 a.C. en Perú. Estos ecosistemas sirven como punto de tránsito para las aves migratorias y guaneras que vienen en busca de climas cálidos desde diversos lugares: las islas, los Andes, la Amazonia y diferentes regiones desde los polos norte y sur hasta las zonas ecuatoriales. Los humedales son un filtro natural gracias a las plantas que crecen en ellos. Además, su capacidad para retener agua los convierte en uno de los ecosistemas más productivos de la biosfera.

ACERCA DE LA SERIE RIOS

El agua articula los suelos que habitamos. Descendiendo desde los Andes, desde los glaciares y los humedales de altura hasta las lagunas, riega las tierras más bajas a través de antiguos canales.

Las piezas tejidas a mano integran el trabajo de hilado y teñido a mano con plantas locales de diferentes comunidades de la sierra y la costa de Perú. Cada color del tapiz proviene de una especie botánica diferente. El tejido es un acto colectivo, donde se unen fuerzas de artistas y territorios.

La 22° bienal Arte Paiz (BAP) se realizó en Guatemala del 6 de mayo al 6 de junio de 2021. En esta edición participaron 40 artistas locales e internacionales, quienes investigaron temas de historia contemporánea, estableciendo puntos de encuentro entre el arte y el contexto actual de América Latina. El enfoque se dio desde una perspectiva indígena, un tema especialmente relevante en Guatemala, que es una sociedad multiétnica, pluricultural y multilingüe.  Ana Teresa Barboza y Rafael Freyre fueron parte de los artistas internacionales invitados a participar, dentro del eje temático: ‘Universos de la materia’. Ellos presentaron el proyecto ‘Manto: Unión de fuerzas’.

UNIVERSOS DE LA MATERIA

Compartimos un extracto de un artículo de la revista Artishock, donde resalta el rol del textil como saber milenario que se explora en ‘Universos de la Materia’ :

Universos de la Materia incluye un núcleo de obras, especialmente comisionadas por la bienal, que reflexionan sobre la materia desde el ritual, la sanación y la simbología. […]La importancia de la tradición textil en Latinoamérica encuentra en esta sección declinaciones especialmente heterogéneas donde lo textil en el arte resulta en una materialidad que puede ser un medio, un recurso o un saber milenario. Es el caso del telar de Antonio Pichillá, mencionado anteriormente, o los textiles de la peruana Ana Teresa Barboza (1981, Lima, Perú) y Rafael Freyre (1978, Lima, Perú) que simulan secciones transversales de los estratos de la tierra.

MANTO

El proyecto parte de la idea del volcán como una energía contenida que genera destrucción y nueva vida: un espacio donde se concentran muchas fuerzas y flujos. Ana y Rafael conciben la obra como un tejido colectivo, realizado en colaboración con tejedoras locales que conservan las prácticas del tejido en telar de cintura y del teñido con plantas. Estas prácticas están asociadas a los ciclos naturales y a una cadena de procesos interconectados, donde el resultado final es un tejido común que contiene procesos y conocimientos de las comunidades, el cuerpo, las plantas, el clima y el territorio que habitamos.

Al conversar con las tejedoras de la comunidad de San Antonio Aguas Calientes, Ana y Rafael les piden que imaginen el flujo de lava que emerge del interior de la tierra y desciende, tomando la forma de un tejido creado por ellas. Así, la energía transformadora que sale del volcán es la misma energía que sale de sus manos al tejer. Y las invitan a que imaginen que, tejiendo, ellas pueden transformar la tierra y la historia: ver el flujo de lava como una nueva oportunidad, un nuevo comienzo para  cambiar su entorno. La obra intenta transformar la voz de las mujeres en tejidos y flujos vivos de su historia, territorio y cultura.

Ana Teresa Barboza y Rafael Freyre buscan restablecer el valor simbólico del agua con una instalación que combina arte, diseño y artesanía, basada en la investigación de los humedales de la costa peruana y tecnologías tradicionales de depuración de agua.

Las sociedades que han habitado el desierto del Perú se han visto obligadas a establecer una relación con el agua a partir de su escasez. Esto las llevó a entender el ecosistema del agua y a desarrollar tecnologías para el manejo de este valioso recurso. De esta manera, pudieron habitar territorios áridos, convirtiéndolos en espacios urbanos y terrenos agrícolas.

Durante el periodo precolombino, las culturas locales desarrollaron diversos sistemas de regadío, captación y depuración del agua, como los puquiales, las hoyas y terrazas de cultivo y las galerías filtrantes. Un sistema que llamó nuestra atención entre ellos es el wachaque, que se utilizó en el desierto para sembrar y extraer las plantas de totora y junco. Estas fibras crecen naturalmente en los humedales de la costa y sirven para fabricar utensilios, mobiliario y elementos arquitectónicos como las shicras. Sin embargo, su utilidad no sólo se redujo a la construcción, sirvieron también para depurar el agua. La totora y el junco son plantas fitodepuradoras que contienen rizomas ―tallos subterráneos que crecen paralelamente a la superficie del suelo― y absorben las materias orgánicas del agua.

El proyecto “Ecosistema del agua” es una instalación concebida para que el visitante reconozca este sistema y sus procesos, que implican la captación y purificación del agua, partiendo de las especies vegetales que cumplen estas funciones en los ecosistemas: las plantas del aire, como las tillandsias, que captan las humedad de las zonas de neblina y las plantas del agua que habitan los humedales, como la totora y el junco, y limpian sus aguas a través de sus tallos y raíces. De esta manera, la instalación integra elementos naturales con tecnologías ancestrales y contemporáneas del manejo del agua, con la intención de recuperar estos conocimientos y proyectarlos hacia nuevas prácticas en el futuro.

Nos interesa recuperar la relación con los ecosistemas de nuestro territorio entendiendo sus interacciones y transformaciones. Asimismo, buscamos crear un espacio ritual con el agua, reestableciendo su valor simbólico dentro de nuestras comunidades y vida diaria. El agua se mueve, fluye y se evapora, cambia constantemente, como nosotros. A través de ella podemos reflejarnos y entender los ciclos y transformaciones en los que habitamos.

Ana Teresa Barboza
Rafael Freyre

“Ecosistema del agua” es el proyecto ganador del Premio Nacional MAC Lima Arte e Innovación 2019. El museo convocó a artistas y creadores peruanos que innovan con propuestas que establecen relaciones entre arte, ciencia y tecnología. La convocatoria invitaba a proyectos interdisciplinarios que responden al término tecnología en un sentido amplio: desde la recuperación y apropiación de prácticas o técnicas tradicionales hasta los nuevos medios, y que asuman desafíos de la sociedad contemporánea con una visión artística y crítica.

Tras una exhaustiva selección del jurado calificador, compuesto por Natalija Boljsakov (Perú), Inti Guerrero (Colombia), Francesco Mariotti (Suiza) y Sanjay Sarma (India), el MAC Lima eligió como ganadora a la obra Ecosistema del agua. Además, se seleccionaron dos menciones honrosas: Isla de Huacos de Camilo Nunas Ángeles Manga y Lorena Jiménez Lira, y Recirculación del flujo de Genietta Varsi, Nicola Varsi Lari y Gustavo Lari Rincón.

El Premio Nacional MAC Lima Arte e Innovación es un esfuerzo del museo para contribuir al desarrollo del arte contemporáneo local, gracias al apoyo de Universidad de Ingeniería y Tecnología – UTEC y el auspicio de Fundación BBVA.

El imaginario actual de nuestro paisaje urbano y de los espacios que habitamos está configurado por el ideal de modernidad occidental que reemplazó los sistemas constructivos artesanales y materiales naturales por procesos industriales y nuevos materiales.

El ladrillo es un elemento constructivo genérico que constituye este imaginario urbano. En el Perú, además, su imagen está vinculada al fenómeno de migración del campo a la capital que inició en la década del 40 del siglo pasado y que implicó nuevas construcciones del espacio colectivo en las periferias de Lima, nuevos centros urbanos de las distintas regiones al interior del país y nuevas formas de autoconstrucción de viviendas.

A partir del concepto de material constructivo, la obra Ladrillos de piedra sugiere la pregunta ¿existe una continuidad entre la materialidad del territorio natural y la materialidad del hábitat urbano?

Las piezas proponen recuperar nuestra relación con lo diverso del territorio, así como su imaginario e historia. A través del reconocimiento de materiales específicos de distintos lugares del Ande peruano  – Ayacucho, Junín y Ancash – , estos ladrillos establecen una continuidad entre el material y el hábitat. Paralelamente, cuestionan el equilibrio frágil que existe entre los procesos naturales que conforman el paisaje, visibles en su transformación constante y sedimentación a lo largo del tiempo, y los sistemas apresurados de extracción, producción y construcción desarrollados por el ser humano.

Ladrillos de piedra confronta el elemento constructivo básico de la producción industrial con sus réplicas fabricadas artesanalmente con piedras locales para reflexionar sobre los modos de construcción de nuestro espacios, en el contexto de crecimiento urbano acelerado que vive el Perú desde el siglo pasado.

El valor que se le da, por un lado, a lo específico, y, por otro lado, a lo genérico, es desmontado y cuestionado. La obra altera la identidad homogeneizante del ladrillo como módulo constructivo y nos acerca al carácter inestable, cambiante y diverso del entorno natural.  

La materialidad de estas piezas nos devuelve a la composición lítica de nuestro territorio andino y a sus tradiciones manuales. La tradición lítica del Perú se remonta al periodo precolombino, momento en el que era común desarrollar tecnología basada en los materiales naturales del territorio. Sin embargo, a partir de la la etapa colonial, estos materiales y relaciones cayeron gradualmente en desuso.

Trabajar artesanalmente con piedra es también una forma de iniciar un diálogo acerca de nuestra historia. La obra alude a las construcciones líticas y a la reconstrucción simbólica de un espacio: levantar muros de piedra para relacionarnos a las imágenes de nuestro patrimonio arquitectónico en desaparición.

Ladrillos de piedra se exhibió en la feria internacional Art Lima 2019 en el stand de Grau Galería, un espacio dedicado al arte contemporáneo ubicado en el distrito de Barranco en Lima, Perú.